Artist Spotlight: Liliana Farber

Farber investigates ways the virtual redefines the physical world. Using custom-made software and collected material from Internet, she creates images, installations, and interactive works. These are product of research-based processes, and condense an abundance of information into unsuccessful data visualizations. Farber is interested in the politics imbedded in the algorithms we use daily, and in her work she highlights their design ramifications. She builds interfaces that celebrate chaos, and experiences that use frustration as strategy. As potential cartographies of space between the online and offline worlds, her artworks evoke existential reflections to a world co-habited by humans and algorithms.

Her piece this year in CAMPO Artfest is a part of her serie O.O. Through Farber’s o.o, viewers are taken on a virtual trip in Google Earth along the latitud and longitude coordinates of 0.0. These imaginary lines, wich are the result of the scientific effort to translate the earth into a mathematical language, are invisible in the physical world. In CAMPO Artfest 0.0 is installed in such a way that the google map coordinates coincide/match with the cardinal points from a zenith point of view, allowing the viewers to observe it from a satellite point of view.

She received an MFA from Parsons School of Design, previously she completed the Postgraduate Fine Art Studies at the Hamidrasha School of Art in Israel, and holds a B.A in Graphic Design from O.R.T University in Uruguay. Farber had solo shows at Arebyte gallery, London; Dodecá Center, Marte UpMarket gallery, and at the Education and Culture Ministry in Montevideo, Uruguay.

check out the gallery below for more images from the o.o. series

______________________

La obra de Liliana investiga las formas en que lo virtual redefine el mundo físico. Utilizando software hecho a medida y material recopilado de Internet, crea imágenes, instalaciones y obras interactivas. Estos son producto de procesos basados en la investigación, y condensan una abundancia de información en visualizaciones de datos sin éxito. Farber está interesada en las políticas que se aplican a los algoritmos que utilizamos a diario y en su trabajo destaca sus ramificaciones de diseño. Construye interfaces que celebran el caos y experiencias que utilizan la frustración como estrategia. Como cartografías potenciales del espacio entre los mundos online y offline, sus obras evocan reflexiones existenciales a un mundo co-habitado por humanos y algoritmos.

Su pieza de este año en CAMPO Artfest forma parte de su serie O.O. A través de la o.o. de Farber, los espectadores son llevados en un viaje virtual en Google Earth a lo largo de las coordenadas de latitud y longitud 0.0. Estas líneas imaginarias, que son el resultado del esfuerzo científico para traducir la tierra a un lenguaje matemático, son invisibles en el mundo físico. En CAMPO Artfest 0.0 está instalado de tal manera que las coordenadas del mapa de Google coinciden con los puntos cardinales desde un punto de vista cenital, permitiendo a los espectadores observarlo desde un punto de vista satelital.

Liliana recibió un MFA de Parsons School of Design, anteriormente completó los estudios de postgrado en Bellas Artes en la Hamidrasha School of Art en Israel, y tiene un B.A. en Diseño Gráfico de la Universidad O.R.T. en Uruguay. Farber ha realizado exposiciones individuales en la galería Arebyte, Londres; en el Dodecá Center, en la galería Marte UpMarket y en el Ministerio de Educación y Cultura en Montevideo, Uruguay.

mira la galería de abajo para ver más imágenes de la serie o.o.

 

Artist Spotlight: Alessandro Celante

“Photography is not restricted to the two-dimensionality of its representations, it begins at some point less than a click, it passes through the interlacing with the perceptual spaces, the intrinsic historicity, the possibilities of the technical processes, it extends beyond its exposure.”
-Alessandro Celante

The project, born in 2015 in the form of a postgraduate monograph at SENAC-SP LAPA, materialized in an exhibition that same year, as an integral part of the XII International Arts Biennial of Havana – Collateral, 2015. The installation transformed and traveled to various exhibition spaces — Paraty in focus, Interfoto Itu, Foto en Pauta Tiradentes, Hercule Florence Festival, among others.

Using death as a metaphor for the perceptive loss that the contemporary world imposes on us, the project Mascaras Impermanentes consists of, among other things, the construction of death masks of living people. The affirmation and presentation of life in this work is given by the sensory experience with photography in an expanded way, both in its capture process and in the different adaptations and exhibition executions.


According to Celante, “Photography is not restricted to the two-dimensionality of its representations, it begins at some short point of a click, it passes through the interweaving with the perceptive spaces, the intrinsic historicity, the possibilities of the technical processes, it extends beyond its exposure and perhaps it has vanished in the false notion of objectivity of its processes. The proposal of the Mascaras Impermanentes is summarized in the search for this photography, the rescue of the fascination that was lost and the conciliation between the sensitive human and the possibilities that photography offers as a language and how, at the same time, it can travel establishing new ones.”

About the artist

Born in 1972 in Itu, São Paulo, Brazil, Celante graduated in Social Communication at FAAP-SP, with a masters in photography and art from Centro de Comunicação e Artes SENAC-SP, where he researched historical-photographic processes. He taught photography and semiotics at the Padre Anchieta University in Jundiaí – SP. He co-founded and organized Interfoto Itu for the first three years. 

____________________

“La fotografía no se restringe a la bidimensionalidad de sus representaciones, comienza en algún punto menos que un clic, pasa por el entrelazamiento con los espacios perceptivos, la historicidad intrínseca, las posibilidades de los procesos técnicos, se extiende más allá de su exposición.”
-Alessandro Celante.


El proyecto, nacido en el 2015 en forma de monografía de postgrado en el SENAC-SP LAPA, se materializó en una exposición ese mismo año, como parte integral de la XII Bienal Internacional de Arte de La Habana – Colateral, 2015. La instalación se transformó y viajó a varios espacios de exposición — Paraty in focus, Interfoto Itu, Foto en Pauta Tiradentes, Hércules Festival de Florencia, entre otras.

Utilizando la muerte como metáfora de la pérdida perceptiva que nos impone el mundo contemporáneo, el proyecto Mascaras Impermanentes consiste, entre otras cosas, en la construcción de máscaras mortuorias de personas vivas. La afirmación y presentación de la vida en esta obra viene dada por la experiencia sensorial con la fotografía de forma expandida, tanto en su proceso de captura como en las diferentes adaptaciones y ejecuciones expositivas.

Según Celante, “La fotografía no se restringe a la bi-dimensionalidad de sus representaciones, comienza en algún punto corto de un clic, pasa por el entrelazamiento con los espacios perceptivos, la historicidad intrínseca, las posibilidades de los procesos técnicos, se extiende más allá de su exposición y quizás se ha desvanecido en la falsa noción de objetividad de sus procesos. La propuesta de Mascaras Impermanentes se resume en la búsqueda de esta fotografía, el rescate de la fascinación perdida y la conciliación entre lo humano sensible y las posibilidades que ofrece la fotografía como lenguaje y como, a su vez, puede viajar estableciendo otras nuevas”

Sobre el artista

Nacido en 1972 en Itu, São Paulo, Brasil, graduado en Comunicación Social en la FAAP-SP, posgraduado en fotografía y arte en el Centro de Comunicación y Artes SENAC-SP, donde investiga los procesos histórico-fotográficos Enseñó fotografia y Semiótica en la Universidad Padre Anchieta en Jundiaí – SP. Fue cofundador y organizador de Interfoto Itu en sus primeros tres años.

Artist Spotlight: David Temchulla

David Temchulla was born and raised in Denver, Colorado. He lives and works in NY. His work combines interactive technology with organic materials, exploring the spaces between the art object and lived experience. He holds a BFA from the School of the Art Institute of Chicago and an MPS from the New York University Interactive Telecommunications Program. This year, David participated for the first time in our CAMPO Artfest. Perplexed by the practice of cloning horses for polo matches, and inspired by the Uruguayan rural setting of Garzón, the artist used machine-learning technology to generate artificial images of horses that explore today’s inextricable relationship between the organic and the inorganic. Days prior to Artfest, David moved to Garzón and explored the nearby surroundings. He collected organic materials which he then juxtaposed with his photographs of horses in an intricate installation within one of the uninhabited taperas of our town. 

ABOUT SAME/SAME (2019)

In 2006 Argentinian polo player Adolfo Cambiaso’s most prized horse, Aiken Cura, broke his leg on the field of play. A fatal injury, Cambiaso was forced to euthanize the stallion, but not before saving several of his skin cells that would be needed to bring Cura back to life. Four years later, in collaboration with Crestview Genetics that licensed the cloning technology used to create Dolly the sheep, this dream became a reality when Cura’s cells were used to create three identical replicas. Since then, Cambiaso has gone on to clone his other fabled mare Cuartetera over a dozen times. In 2016, Cambiaso’s team won the prestigious Campeonato Argentino Abierto de Polo, with Cambiaso riding six genetically identical Cuartetera clones. Polo – the ancient “game of kings” – has found itself on the frontier of cloning technology.

The horse is by excellency the most symbolic animal of Uruguay. Immortalized in the national coat of arms, it has been endlessly depicted in the visual construction of the country’s history–independence wars, economic development in agriculture, and cultural parades. Yet while the horse is inextricably linked to the country’s shared conscious and rural landscape, it is not native to this region. Introduced to the Río de la Plata by Spanish conquistador Pedro de Mendonza in the sixteenth century, the Iberian horse adapted to the more template pampas of the region, evolving physically and genetically into the Criollo breed. This new breed roamed free around the Southern plains and it is believed to have first been domesticated by the native populations of América–in Uruguay, by the Charrúas. 

Fast forward, the Criollo horse has been subject to selective breeding and increasingly ‘improved’ for farming and racing. In an era marked by the rapid advancement in technology, the cloned horses of Cuartetera represents a new paradigm manifested by the virtual and inorganic. In SAME/SAME hundreds of images online of Cuartetera and its clones have been collected and run through a Deep Convolutional Generative Adversarial Network (DCGAN). This deep learning architecture analyzes the genetic makeup of these images and then attempts to create duplicate images based on the data from the original training set. The final result is a series of entirely new images of Cuartetera as seen by computer vision and artificial intelligence,  addressing the changing status of the image and our reality in an increasingly automated world. 

David Temchulla’s installation may appear dystopian to the viewer as we try to grapple with the new genetic technologies applied to animal eugenics, albeit these are very much grounded in contemporary practices. Yet this piece is also trigger to consider at a broader stage the perplexing–and subordinating–relationship between humans and animals–even when it comes to an animal such as the Criollo horse which has been engraved in our minds as a symbol of liberty and nature.

_____________

David Temchulla nació y se crió en Denver, Colorado. Vive y trabaja en Nueva York. Su trabajo combina la tecnología interactiva con materiales orgánicos, explorando los espacios entre el objeto de arte y la experiencia vivida. Tiene un BFA de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y un MPS del Programa de Telecomunicaciones Interactivas de la Universidad de Nueva York. Este año, David participó por primera vez en nuestro CAMPO Artfest. Perplejo por la práctica de clonar caballos para los partidos de polo, e inspirado por el entorno rural uruguayo de Garzón, el artista utilizó la tecnología de aprendizaje por máquina para generar imágenes artificiales de caballos que exploran la inextricable relación actual entre lo orgánico y lo inorgánico. Días antes de Artfest, David se mudó a Garzón y exploró los alrededores cercanos. Recogió materiales orgánicos que luego yuxtapuso con sus fotografías de caballos en una intrincada instalación dentro de una de las deshabitadas taperas de nuestro pueblo.

En 2006, el caballo más preciado del polista argentino Adolfo Cambiaso, Aiken Cura, se rompió la pierna en el campo de juego. Una lesión fatal, Cambiaso se vio obligado a practicar la eutanasia a su caballo, pero no sin antes salvar varias de las células de su piel que serían necesarias para devolverle la vida a Cura. Cuatro años más tarde, en colaboración con Crestview Genetics que licenció la tecnología de clonación utilizada para crear la oveja Dolly, este sueño se hizo realidad cuando las células de Cura se utilizaron para crear tres réplicas idénticas. Desde entonces, Cambiaso ha clonado más de una docena de veces a su otra yegua legendaria, Cuartetera. En 2016, el equipo de Cambiaso ganó el prestigioso Campeonato Argentino Abierto de Polo, con Cambiaso montando seis clones genéticamente idénticos de Cuartetera. El polo – el antiguo “juego de reyes” – se ha encontrado en la frontera de la tecnología de la clonación.

El caballo es por excelencia el animal más simbólico del Uruguay. Inmortalizado en el escudo nacional, ha sido representado sin cesar en la construcción visual de la historia del país: guerras de independencia, desarrollo económico en la agricultura y desfiles culturales. Sin embargo, aunque el caballo está inextricablemente vinculado al paisaje rural y consciente compartido del país, no es nativo de esta región. Introducido al Río de la Plata por el conquistador español Pedro de Mendonza en el siglo XVI, el caballo ibérico se adaptó a la pampa más templada de la región, evolucionando física y genéticamente hacia la raza criolla. Esta nueva raza vagaba en libertad por las llanuras del sur y se cree que fue domesticada por las poblaciones nativas de América, en Uruguay, por los charrúas.

Rápidamente, el caballo criollo ha sido objeto de una crianza selectiva y cada vez más “mejorado” para la agricultura y las carreras. En una época marcada por el rápido avance de la tecnología, los caballos clonados de Cuartetera representan un nuevo paradigma que se manifiesta en lo virtual e inorgánico. En SAME/SAME se han recogido cientos de imágenes en línea de Cuartetera y sus clones y se han ejecutado a través de una Red Generativa Adversarial Convolucional Profunda (DCGAN). Esta arquitectura de aprendizaje profundo analiza la composición genética de estas imágenes y luego intenta crear imágenes duplicadas basadas en los datos del conjunto de entrenamiento original. El resultado final es una serie de imágenes completamente nuevas de Cuartetera, vistas por  ordenador e inteligencia artificial,  abordando el estado cambiante de la imagen y nuestra realidad en un mundo cada vez más automatizado. 

La instalación de David Temchulla puede parecer distópica al espectador mientras intentamos lidiar con las nuevas tecnologías genéticas aplicadas a la eugenesia animal, aunque éstas están muy arraigadas en las prácticas contemporáneas. Sin embargo, esta pieza también nos lleva a considerar en una etapa más amplia la perpleja -y subordinada- relación entre humanos y animales -incluso cuando se trata de un animal como el caballo criollo que ha sido grabado en nuestras mentes como un símbolo de libertad y naturaleza.